7.3 Renacimiento en España

Arquitectura renacentista española

Introducción

El siglo XVI, que coincidirá con el final del reinado de lo Reyes Católicos, los reinados de Carlos I (1516-56) y de Felipe II (1556-98), marcará la expansión del Renacimiento por España, facilitado por Las constantes relaciones con Italia desde la Edad Media, la presencia de artistas italianos en la península ibérica y la formación Italiana de los arquitectos españoles.
 
El Renacimiento en España se caracteriza por la poca influencia clasicista, al contrario que en Italia; estuvo mediatizado por la tradición gótica y el mecenazgo de la Iglesia que impidió una visión más humanista.

En la primera mitad del siglo este nuevo estilo tuvo que luchar contra el gótico y el mudéjar que se resistían a desaparecer. Tanto es así que, al principio, en muchas construcciones conviven estructuras góticas con decoración renacentista. Según vaya avanzando el siglo dejará paso a un clasicismo más acorde con las modas del momento.

Plateresco (1500-1530)

El Plateresco (1500-1530) es un estilo que hace de puente entre las últimas realizaciones góticas hasta la consolidación de las formas renacentistas.
Las estructuras de los edificios y su configuración espacial seguirán siendo góticas, mientras que el nuevo lenguaje se manifestará en las fachadas que se estructuran en forma de retablo y se caracterizan por una decoración prolífica a base de medallones, elementos heráldicos o grutescos, candelabros o columnas abalaustradas.
 
Uno de los primeros arquitectos renacentistas es Lorenzo Vázquez quien trabajó para la familia Mendoza. Es el autor del Colegio de Santa Cruz de Valladolid, en cuya fachada ensaya el lenguaje renacentista organizándola como un arco de triunfo y utilizando los sillares almohadillados.
Salamanca será la gran capital del plateresco. La obra cumbre del plateresco salmantino es la fachada de la universidad de Salamanca, concebida como un retablo, consta de tres pisos, cinco calles y dos puertas de ingreso y destaca su decoración a base de medallones, escudos y elementos vegetales. Aunque de autor desconocido se especula que podría ser obra de Juan de Álava, autor también de la fachada de la iglesia de San Esteban en la misma ciudad.
En Burgos trabaja Diego de Siloé, hijo del escultor Gil de Siloé, que realizará la Escalera Dorada de la catedral para solventar la diferencia de altura existente entre el crucero y la puerta externa del mismo. Su organización recuerda a la de Miguel Ángel para la biblioteca laurenciana: el tramo central de la escalera se bifurca y se vuelve a unir en la parte superior. Está decorada con grutescos y medallones.
Fachada Universidad de Salamanca. Escalera Dorada catedral de Burgos (Diego de Siloé).
Fachada Universidad de Salamanca. Escalera Dorada catedral de Burgos (Diego de Siloé).

Purismo (1527-1563)

Con el paso de las décadas, la influencia del Gótico fue desapareciendo. Durante el reinado del emperador Carlos V el arte se inclinó hacia gustos más clásicos debido a la mayor influencia italiana. Se utilizan bóvedas de cañón con casetones y cúpulas y arcos de medio punto. Disminuye hasta eliminarla la decoración típica del plateresco. Se trata de una arquitectura más sobria.
Se imponen los edificios de aspecto más sereno, armónico y equilibrado. Algunos arquitectos consiguen reciclar su producción tardo-gótica para iniciarse en este nuevo estilo: Tal es el caso de Diego de Siloé que trabaja en la catedral de Granada o Rodrígo Gil de Hontañón autor de la fachada de la Universidad de Alcalá de Henares.
Pero el más decididamente clásico de los arquitectos españoles de este periodo será Pedro Machuca autor del Palacio de Carlos V en la Alhambra, obra cumbre del clasicismo en España. Es un palacio de planta cuadrada con un gran patio circular en el centro. En el exterior emplea sillares almohadillados y utiliza para la decoración de sus fachadas columnas adosadas y pilastras de inspiración clásica, así como relieves alusivos a las batallas del emperador. 
Pedro Machuca. Palacio de Carlos V en la Alhambra
Pedro Machuca. Palacio de Carlos V en la Alhambra

Estilo Herreriano

Con la subida al trono de Felipe II, el Clasicismo se implanta oficialmente como un vehículo de propaganda imperial. La arquitectura olvida lo decorativo y triunfa lo arquitectónico y lo sobrio.
La obra cumbre es el monasterio de San Lorenzo el Real de El Escorial (1563) iniciado por Juan Bautista de Toledo (formado en Italia y fallecido en 1567) y construido por Juan de Herrera, discípulo del anterior. Este arquitecto es el creador de un nuevo estilo, el estilo herreriano, que se caracteriza por la ausencia decorativa, la búsqueda de proporciones matemáticas entre los elementos constructivos, los volúmenes cúbicos, el empleo del orden gigante, el predominio de las líneas horizontales y cubiertas exteriores de pizarra.
El Escorial  es un conjunto monacal, palacio y templo. Se concibió como una gran espacio rectangular articulado por diversos patios de distintas dimensiones (patio de los reyes, patio de los evangelistas,...) , que iban ordenando sus funciones, y centrado por el eje de la basílica y su atrio, que definía su entrada principal. Uno de sus rasgos es la austeridad clasicista que impregna todo el edificio, despojando a la piedra de todo ornamento. Busca así, la esencia de la arquitectura potenciando al máximo su monumentalidad y grandeza de la construcción.
Por otra parte, su concepción como una suma de partes que reúne una serie de elementos dispares le confiere un carácter manierista.
El monasterio del Escorial será la construcción de referencia para muchos arquitectos españoles posteriores y su influencia puede verse en edificios barrocos de la siguiente centuria.
Juan de Herrera. Monasterio del Escorial
Juan de Herrera. Monasterio del Escorial

8. Barroco italiano



Arquitectura barroca italiana
Introducción
Barroco es el término que da nombre a la corriente artística que se desarrolla tras el Renacimiento, durante el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII. El Barroco nace en Italia y se extiende por muchos países europeos como Francia, España y Alemania.
 
Es un arte creado al servicio de los grandes poderes del momento: la Iglesia católica -cuestionada por los protestante- y las monarquías absolutas, que pretenden servirse de él para exaltar su autoridad, y asegurarse la obediencia de sus súbditos y fieles respectivamente.
 
Como arte propagandístico, empleará a menudo recursos de gran teatralidad con el objetivo de atraer y deslumbrar al que lo contempla.
 
Frente a la serenidad clásica racional del renacimiento, el barroco opta por el mundo en movimiento y agitado de los sentidos. Por lo tanto, la tendencia del barroco es la exageración y la ostentación. 
Características
Aparece un repertorio de infinitas curvas: elipses, parábolas, espirales... que sustituyen a la obra equilibrada y racional del Renacimiento; ahora las columnas salomónicas se retuercen, los frontones son curvos y mixtilíneos. Los muros se curvan a la búsqueda de efectos luminosos:
  • Siguen utilizándose la planta basilical y central pero con predominio ahora de la línea curva: plantas elípticas, circulares y mixtas.
  • Se siguen utilizando el arco de medio punto y las bóvedas de cañón, pero se experimenta también con bóvedas estrelladas y se multiplican las cúpulas exteriores.
  • La cúpula, uno de los máximos logros del renacimiento, seguirá usándose en su apariencia externa, pero en su interior quedará oculta su superficie semiesférica pura, decoradas con cielos pintados plagados de figuras que parecen ascender al infinito
  • Las fachadas de las iglesias se van haciendo más movidas y ricas en claroscuro, fachadas cóncavas y convexas, que se relacionan con el espacio urbano; se llenan de esculturas; las columnas se desprenden del muro y el efecto en general es de mayor riqueza y movimiento.
  • En los interiores la escultura y la pintura se aliarán con la arquitectura creando un todo, en el que la percepción visual no sabrá distinguir donde empieza lo uno y dónde termina lo otro.

7.2 Renacimiento: Cinquecento



Arquitectura del Cinquecento
Introducción
El siglo XVI supone el momento clásico por excelencia del Renacimiento. El primer tercio del Cinquecento supone el triunfo de la armonía y el equilibrio que se había avanzado durante el Quattrocento.
La capital artística de Italia se traslada desde Florencia a la Roma de los papas, que se convierten en los nuevos mecenas y protectores de los artistas. Principalmente Julio II y León X que utilizarán el arte como instrumento de prestigio personal y difusión del poderío de la Iglesia.
Ya en el segundo tercio del siglo se empieza a abandonar el equilibrio y la armonía de tendencia clásica, perdiendo interés por la proporción y la serenidad y centrando la atención en el decorativismo. Ello anuncia la crisis del Renacimiento y el inicio del manierismo que triunfará en Venecia.
Características
Clasicismo
  • La arquitectura del Cinquecento romano se inspira directamente en los modelos clásicos sin olvidar la estética de Alberti y su búsqueda de la armonía, el orden y la proporción.
  • Hay una tendencia hacia el Purismo: ausencia de ornamentación
  • Opta por las plantas centralizadas con cúpula.

Día del Maestro

Manifiesto del Maestro
De los recuerdos de nuestra infancia emerge siempre la clara figura de una maestra o de un maestro, con quien tenemos pendiente una deuda de gratitud. Suele ocurrir que tardamos mucho en darnos cuenta de su influencia benefactora, y para entonces aquellas personas que sirvieron de puente entre la familia y la sociedad, que suavizaron el desamparo de los primeros días de escuela y nos llevaron de la mano por los laberintos del abecedario y la cultura habrán desaparecido ya de nuestras vidas. Un homenaje al maestro puede servir para pagar esta deuda de gratitud. Es por ello un acto de justicia poética.
Pero también es un acto de justicia real, porque tiene que servir para llamar la atención de la sociedad hacia una profesión que, por esa inversión de prestigios que desdichadamente sufrimos, pasa inadvertida o menospreciada. Otras admiraciones más espectaculares nos hacen ser mezquinos al valorar a las personas que nos enseñaron las primeras letras, que nos obligaron, con una conmovedora paciencia, a dominar nuestra atención, tan propensa a irse por las nubes, para fijarla en el encerado o el cuaderno. Para el niño, ellos son los máximos representantes de la cultura, y, para todos, los grandes funcionarios de la Humanidad. Supieron hacernos pasar de un mundo de afectos privados a un mundo de afectos sociales, y nos convirtieron en pequeños ciudadanos, al enseñarnos las normas compartidas.
El maestro necesita autoridad para poder ejercer bien su cometido, y esa autoridad sólo puede recibirla de un generoso y constante apoyo social. Un homenaje al maestro se convierte así en una eficaz colaboración pedagógica. Y también en una demostración de inteligencia ciudadana. La sabiduría de una sociedad, su estatura ética, se demuestra en los modos de conferir prestigios o distinciones. Cuando esos reconocimientos se dan a quienes no los merecen, o dejan de darse a quien los merecía, se produce una corrupción social, un empequeñecimiento que a todos nos empequeñece. Al homenajear al maestro estamos ennobleciendo el espacio de nuestra convivencia.
A los adultos nos invade muchas veces el desaliento ante el futuro, un cierto cansancio de lo porvenir. Entonces deberíamos recordar la figura del maestro, que es el profesional de la esperanza, el incansable, humilde y magnífico cuidador del futuro. Con la misma tenacidad con que el árbol florece en primavera, él volverá a enseñar que dos por dos son cuatro. Nos convendría a todos regresar por un momento a ese ámbito animoso y cordial. Este homenaje puede servir también para reavivar nuestra esperanza.
Por todas estas razones, de justicia, de sabiduría, de propio interés, invitamos a niños y a adultos, a padres e hijos, a participar en un homenaje nacional e intergeneracional al maestro.
JOSÉ ANTONIO MARINA
Septiembre de 2004

Reyes y arte

Cronología de Roma

753 a.C.
Fundación Rómulo y Remo. (Monte Palatino)
 
MONARQUÍA
Siglo VII y VI a.C.
Viven bajo el dominio de los reyes etruscos y se integran en su cultura. INFLUENCIA ETRUSCA
 
509 a.C.
Rebelión de los romanos contra Tarquino el Soberbio, último rey de Roma.
 
REPÚBLICA
Siglo V a.C.
Personalidad propia y voluntad hegemónica.
(Periodo de guerras civiles, crisis y conquistas)
Contacto con el helenismo. INFLUENCIA GRIEGA
 
Siglo II a.C.
Vencen a los cartagineses y a los macedonios.
Se convierten en la mayor potencia del Mediterráneo.
Empiezan a desarrollar un ESTILO PROPIO que no se limita a imitar y reproducir modelos griegos.
 
60 a.C.
Primer Triunvirato: Julio César, Pompeyo y Craso se reparten el control del gobierno romano.
 
49 a.C.
Guerra civil entre César y Pompeyo.
 
48 a.C.
Ascenso de Julio César: César se convierte en dictador, emperador, cónsul, pontífice máximo y jefe supremo del ejército. Construcción del Circo Máximo.
 
44 a.C.
César es asesinado.
 
43 a.C. Segundo Triunvirato: Marco Antonio, Octavio y Lépido.
Tras el vacío de poder por la muerte de César, lucha de poder entre Octavio y Marco Antonio.
 
31 a.C.
Marco Antonio y Cleopatra son vencidos por Octavio Augusto. FIN DE LA REPÚBLICA
 
IMPERIO
Alto Imperio: Principado


27 a.C.
Augusto es nombrado Emperador
DINASTÍA JULIO CLAUDIA
 
13 a.C.
Se declara la Pax Augusta
Augusto es nombrado Pontífice Máximo.
Ara Pacis (13 a.C.)
Teatro de Marcelo (11 a.C.)
 
Siglo I
Tiberio
Calígula
Claudio
Nerón. Incendio de Roma (año 64)
 
69
Año de los cuatro emperadores
 
DINASTÍA FLAVIA
Vespasiano. Tito conquista Jerusalén
Tito
Domiciano
Coliseo de Roma
Arco de Tito
 
Siglo II
DINASTÍA ANTONINA
(Periodo de máximo esplendor de Roma)
 
Nerva
Trajano
Conquista de la Dacia
Foro Trajano
Columna Trjana (114)
Adriano
Abandona las campañas de Trajano
Reconstrucción del Panteón de Agripa (125)
Villa Adriana
Antonino Pío
Marco Aurelio
Guerras germánicas
Fin de la Pax Augustea (166)
Cómodo
 
Siglo III
(Empieza la época de decadencia)
DINASTÍA DE LOS SEVEROS
Septimio del Severo
Arco de Septimio
Caracalla
Termas de Caracalla
 
235 al 284
ANARQUÍA MILITAR: Etapa de los emperadores militares.
Periodo de gran desorden en el imperio y de guerras por conseguir el trono imperial.
 
Bajo Imperio: Dominado
 
284
Diocleciano
Reorganización militar y administrativa
TETRARQUÍA
Guerra civil entre Majencio y Constantino
Basílica de Majencio
 
Siglo IV
Constantino
Traslado de la capital del Imperio a Constantinopla
Reconocimiento de la religión cristiana
Arco de Constantino
 
395
FIN DEL IMPERIO
Teodosio
Divide el imperio entre sus dos hijos:
Honorio (Occidente) y Arcadio (Oriente: Bizancio)
 
Siglo V
402
Honorio traslada la capital del imperio de Occidente a Rávena por motivos defensivos
 
406
Comienzo de las invasiones bárbaras en Occidente
Mausoleo de Gala Placidia (425-430)
 
476
CAÍDA DEL IMPERIO ROMANO DE OCCIDENTE
Rómulo Augusto
Último emperador romano

Escultura del Quattrocento

Escultura del Quattrocento

Introducción

Se denomina Quattocento al periodo del arte italiano correspondiente al Siglo XV. Este periodo se caracteriza por la recuperación de la Antigüedad clásica y la superación de los esquemas mediavales que supeditaban el arte a la religión y a una finalidad didáctica.
Durante esta época se supera el teocentrismo y se impone una cultura basada en el humanismo.
El arte abandona su carácter artesanal para convertirse en una actividad intelectual Los artistas serán personas instruidas en temas como geometría, historia, cultura clásica, ciencias y naturaleza; empiezan a firmar sus obras y serán elevados a la categoría de genios.
Este arte humanista captará la atención de príncipes, nobles y ricos burgueses que descubrirán el placer del arte y la cultura y que se convertiran en los mecenas de los nuevos artistas.
La república de Florencia se convertirá en la principal impulsorá de este nuevo arte gracias al mecenazgo de grandes familias como los Medici.
 

Características

  • Se valora la perfección de la formas, frente a la prioritaria función docente y religiosa de la escultura medieval.
  • El relieve renacentista muestra preocupación por captar el espacio y la profundidad mediante el nuevo sistema de representación de la perspectiva: Relieve pictórico (SCHIACCIATO).
  • Los materiales preferidos fueron el mármol y el bronce, por influencia de los modelos clásicos.
  • Temas: tanto en el relieve como en las esculturas de bulto redondo, siguen predominando los temas religiosos, pero empiezan a desarrollarse también los profanos: mitológicos, históricos y alegóricos.
  • El motivo principal es la figura humana. Se recuperan las tipologías frecuentes en el Arte clásico: el desnudo, el retrato o la estatua ecuestre.
    • El cuerpo humano desnudo, ejemplo máximo de la belleza perfecta, siguiendo las ideas antropocéntricas, debe ajustarse a un correcto sistema de proporciones como en la Antigüedad (Canon clásico), representándose de una manera realista, con estudio de la anatomía y el movimiento.
    • El retrato tiene un gran auge en esta época, tanto de cuerpo entero como el busto, de gran realismo, expresión de la importancia del individuo en la sociedad.
    • También la estatua ecuestre adquiere un sentido nuevo al erigirse en lugares públicos para exaltar las glorias de un personaje importante.

Principales artistas y obras significativas

Lorenzo Ghiberti (1378-1455)
Escultor y orfebre, su obra está a caballo entre el gótico y el renacimiento
En 1401 ganó el concurso para decorar las segundas puertas del Baptisterio de la catedral de Florencia. El trabajo en estas puertas duró más de veinte años y se incluyeron veintiocho escenas sobre la vida de Cristo y otros temas religiosos. La magnitud de la tarea requirió la creación de un taller de gran tamaño, que se convertiría en el principal de la ciudad durante medio siglo.
La fama que le dio este trabajo le supuso nuevos encargos. En 1425 recibe el encargo de las terceras puertas del Baptisterio. Decoradas con diez bajorrelieves de bronce dorado que representan escenas del Antiguo Testamento, en un estilo totalmente diferente al anterior, en el que se aplican consecuentemente las reglas de la perspectiva renacentista: juega con el tamaño y la profundidad de los relieves e introduce edificios y paisajes (relieve pictórico).
Miguel Ángel bautizó esta puerta como Puerta del Paraíso, nombre con que se la sigue conociendo actualmente.
Donatello (1386-1466)
Es el más importante y fecundo de los escultores del Quattrocento. Discípulo de Ghiberti, su obra combina de forma magistral el realismo, el gusto por la expresividad y la plasmación de emociones que le vincularía con artistas góticos como Claus Sluter con el culto al desnudo o al retrato ecuestre que le acercarían al arte clásico.
Es un técnico consumado que trabaja todo tipo de materiales (piedra, mármol, bronce, madera), todos los estados de ánimo y todas las edades desde la infancia hasta la vejez.
Puede considerársele uno de los creadores del estilo renacentista junto con Brunelleschi, Alberti y Masaccio.
Su obra más importante es el David, realizado para la familia Medici. Realizada en bronce, representa al héroe bíblico como un adolescente, sensual y muy estilizado, después de vencer al gigante Goliat, cuya cabeza aparece a sus pies.
La desnudez, del personaje, la serenidad de su expresión, la postura de contraposto y la curva praxiteliana que define su silueta son claras referencias al arte clásico en el que se inspira.
Otra de sus obras destacadas el retrato del Condotiero Gattamelata. Escultura de bulto redondo realizada en bronce, una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el Renacimiento.
Inspirada en el retrato ecuestre de Marco Aurelio, se erigió en honor del condotiero de la república veneciana Erasmo de Narni después de una elaboración que duró desde 1447 hasta 1453. El naturalismo y la serenidad del jinete y del caballo son típicas del Quattrocento y la penetración psicológica del personaje representado es característica de las obras del autor.
Su representación de María Magdalena como penitente, realizada en madera, es el mejor ejemplo del arte expresivo típico de la última etapa del artista.
Verrocchio (1435 -1488)
Fue un influyente escultor, orfebre y pintor del Renacimiento italiano que trabajó en la corte de Lorenzo de Medici en Florencia.
Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y Sandro Botticelli, pero también influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo serenamente clásico del primer renacimiento florentino.
Su obra se caracteriza por un afán permanente de expresividad, demostrada con las acciones y los gestos de los personajes .
Aunque no está confirmado que fuera su discípulo, sus obras más famosas denotan la influencia de Donatello como el David o el Condotiero Colleoni.
El David es un encargo de Lorenzo y Juliano de Médicis hacia 1476 (actualmente en el Museo del Bargello). Es de menor edad y está vestido con modestia, en contraste con el provocativo David de Donatello. Altivo en su victoria, la belleza algo gótica, idealista, de los rasgos está más cercana en espíritu a Ghiberti que al innovador Donatello.
En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra más famosa, una estatua ecuestre del Condotiero Colleoni, quien había muerto tres años antes. Escultura ecuestre en bronce, llena de dinamismo y expresividad.
Verrocchio sólo pudo hacer el modelo en arcilla de esta estatua y fue terminada tras su muerte por el escultor veneciano Alessandro Leopardi. La obra fue un encargo de la República de Venecia. Fue el primer intento de producir semejante grupo, con una de las patas del caballo en el aire. La estatua destaca también por la expresión en el rostro de Colleoni, que obedece a una observación cuidadosa que refleja un mando severo. 
Otros artistas importantes de la región de la Toscana fueron el florentino Luca della Robbia, conocido por sus relieves de mármol y su cerámica vidriada o policromada y el sienés Jacopo della Quercia, considerado el precedente de Miguel Ángel por su gusto por las formas grandilocuentes y la fuerza de sus anatomías.

Arquitectura del Quattrocento

Arquitectura del Quattrocento

Introducción

Se denomina Quattocento al periodo del arte italiano correspondiente al Siglo XV. Este periodo se caracteriza por la recuperación de la Antigüedad clásica y la superación de los esquemas medievales que supeditaban el arte a la religión y a una finalidad didáctica.
Durante esta época se supera el teocentrismo y se impone una cultura basada en el humanismo.
El arte abandona su carácter artesanal para convertirse en una actividad intelectual Los artistas serán personas instruidas en temas como geometría, historia, cultura clásica, ciencias y naturaleza; empiezan a firmar sus obras y serán elevados a la categoría de genios.
Este arte humanista captará la atención de príncipes, nobles y ricos burgueses que descubrirán el placer del arte y la cultura y que se convertirán en los mecenas de los nuevos artistas.
La república de Florencia se convertirá en la principal impulsora de este nuevo arte gracias al mecenazgo de grandes familias como los Medici.

Características

  • Se recuperan los órdenes clásicos.
  • Se generaliza el uso del arco de medio punto, combinado con bóvedas de cañón, cúpulas y cubiertas adinteladas.
  • Los edificios suelen ser de planta rectangular y en ellos predomina la horizontalidad y el retorno a las proporciones a escala humana frente a la verticalidad y monumentalidad del gótico.
  • Siguen teniendo gran importancia los edificios religiosos como iglesias y capillas pero también alcanzan gran desarrollo la construcción de edificios civiles, sobre todo los palacios.
  • Surgen nuevos elementos decorativos como las pilastras, los tondos o medallones, los grutescos, los motivos a candelieri…

Principales arquitectos y obras significativas

Filippo Brunelleschi (1377-1446)
Es considerado el renovador del nuevo estilo en Florencia. Escultor y platero en su juventud, cambiará su actividad por la de arquitecto al viajar a Roma y observar los monumentos clásicos. Estudioso matemático y de la arquitectura clásica será el descubridor de la perspectiva cónica.
Su obra más emblemática será la Cúpula de la Catedral de Florencia, obra de grandiosas dimensiones que se alza sobre un tambor octogonal compuestas por dos cúpulas superpuestas: una semiesférica que queda incluida en otra de sección ligeramente apuntada rematada por una linterna también obra de Brunelleschi.
La cúpula se levanta sobre el crucero de la catedral gótica cubriendo un diámetro similar al del Panteón romano (42 metros) pero de un porte más esbelto convirtiéndose en la primera gran obra del llamado arte nuevo que trataba de emular al arte clásico por lo que se convirtió en el símbolo de la orgullosa república de Florencia.
Pero donde mejor mostró su lenguaje renacentista fue en la Iglesia de San Lorenzo, mandada construir por Lorenzo de Médici. Emplea una planta basilical de inspiración romana y paleocristiana con tres naves separadas por arquerías que reposan sobre capiteles clásicos, sobre los que dispone un trozo de entablamento para dar mayor esbeltez; la cubierta es plana y decorada con casetones. Todo el templo está realizado a escala humana y prestando gran atención a la proporción matemática y geométrica propia de los arquitectos renacentistas.
Ese mismo gusto por la proporción y la armonía entre los distintos elementos los aplicó en la construcción de la Capilla Pazzi, de planta centralizada.
También construyó edificios civiles como el Palacio Pitti que servirá de modelo a todos los palacios florentinos posteriores: planta cuadrada con las estancias dispuestas en torno a un patio central, tres plantas decoradas por muro almohadillado y los vanos formados por arcos de medio punto.
Y, por último, el Hospital de los Inocentes, edificio abierto al espacio urbano a modo de claustro, edificado alrededor de un patio central, en el que dispuso un pórtico que combina arcos de medio punto y columnas romanas; destaca por su horizontalidad, remarcada por las molduras de los arquitrabes.
León Bautista Alberti (1404-1472)
Alberti pertenece a la segunda generación de artistas del Renacimiento. Es el segundo gran innovador de la arquitectura. Hombre muy culto, se dedicó a las más variadas disciplinas (arquitecto, matemático, poeta, filósofo, arqueólogo). Se formó en Roma y fue un humanista enamorado del arte clásico antiguo.
Interesado constantemente por la búsqueda de reglas, tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los artista. Es autor de De re aedificatoria” , tratado donde plasma todas sus teorías sobre su concepción de la Arquitectura. Proponía una estética basada en los modelos clásicos y en las relaciones matemáticas que deben regir las partes de los edificios.
 
En el Templo Malestiano de Rimini recupera elementos arquitectónicos clásicos como el arco de medio punto, la elevación del templo sobre un podio y las columnas corintias.
La obra más importante de Alberti es la Iglesia de San Andrés de Mantua. La fachada está constituida por el grandioso arco que encierra la portada, flanqueado por pilastras corintias, inspirada en los arco de triunfo romanos. La bóveda de cañón que recubre este vano está decorada con casetones clásicos. La estructura interior del edificio recuerda a las basílicas romanas de la última época.
En Florencia realizó dos obras importantes: el Palacio Rucellai con una fachada sometida a un riguroso orden geométrico; la horizontalidad de los tres pisos se rompe con pilastras verticales que combinan los órdenes clásicos: toscano, jónico y corintio. 
En la Fachada de Santa María Novella, realizada en mármol y resuelta con perfecta proporción matemática, anticipa el prototipo de fachada barroca con dos cuerpos coronados por un frontón triangular y unidos por grandes volutas o aletones. 

La pintura gótica

La Pintura gótica

Introducción

El arte gótico se desarrolla en Europa occidental desde finales del siglo XII hasta el siglo XV.
La disminución de los muros en los templos hace que la pintura al fresco ceda paso a las vidrieras que decoran los grandes ventanales. Esto obliga a la pintura a buscar nuevos soportes y emplazamientos. Así empezará a desarrollarse la pintura sobre tabla y las miniaturas; al mismo tiempo que se desarrolla el arte del retablo donde se mezcla la pintura con la escultura.

Características generales

La larga duración de este estilo artístico (siglos XIII, XIV y XV) y las diferencias estilísticas entre los distintos países hace difícil establecer unas características comunes. A pesar de ello se pueden concretar algunas notas de carácter general:
  • temática mayoritariamente religiosa, aunque empiezan a aparecer temas profanos como los retratos.
  • Búsqueda cada vez mayor del naturalismo y la expresividad a la hora de representar a las figuras.
  • Los fondos planos o dorados serán sustituidos poco a poco por espacios figurativos y paisajes.

Cronología y estilos

En su evolución cabe distinguir cuatro escuelas o estilos, a veces, difíciles de sistematizar por la convivencia de ellas, en algún caso, en el mismo tiempo y espacio.
 

Estilo franco gótico o gótico lineal. Siglo XIII

Surge en Francia en el siglo XIII desde donde se difundirá a paises como Inglaterra, Alemania y España. Su prinicpal manifestación será la realización de vidrieras y la decoración de libros con miniaturas.
Se caracteriza por el predomino de la línea sobre el color. El uso de figuras planas, sin volumen ni sombreado que se recortan con marcadas siluetas sobre fondos planos.
Entre las vidrieras más importantes de este periodo destacan las de la Santa Capilla de París y, en España, las de la catedral de León.
En cuanto a la pintura en miniatura podemos citar los salterios de San Luis o las Cantigas de Santa María de Alfonso X, el sabio.
Miniatura salterio de San Luís. Siglo XIII Miniatura salterio de San Luís. Siglo XIII

Estilo italo gótico. Siglo XIII y primera mitad del siglo XIV

En Italia se conservó hasta entrado el siglo XIII la decoración de mosaico que, como influencia bizantina, tanto se había utilizado en el arte románico. Poco a poco se va liberando de esta influencia para otorgar a sus figuras vitalidad y dinamismo, y asumir volumen y perspectiva.
En Italia se mantuvo el predominio de la pintura mural sobre otras técnicas, aunque también se cultivó la pintura sobre tabla.
A comienzos del Trecento (siglo XIV) son dos las principales escuelas italianas: Florencia y Siena.

Florencia:
Cimabue, es considerado el iniciador de la escuela florentina, pero la verdadera figura de la escuela de Florencia es el Giotto, considerado el padre de la pintura moderna, con él se inicia el Renacimiento y una nueva valoración y consideración del Arte y los artistas.
 
Giotto de Bondone (1266-1337)
Pintor y arquitecto florentino discípulo de Cimabue. Su obra se caracteriza por el uso de figuras dotadas de monumentalidad y volumetría que integra perfectamente con el paisaje del fondo dando un sentido unitario a la escena. Pero su principal innovación será contar una historia con todo su dramatismo y sentimiento humano.
 
El realismo del Giotto fue apreciado ya en vida del pintor, haciéndole famoso y solicitado en toda Italia. La fama de Giotto se difundirá rápidamente y todos los pintores lo imitarán; lo que da lugar a la llamada escuela florentina. Él cambia el concepto del artista-artesano anónimo primando a la pericia el ingenio inventivo. Estos conceptos darán forma al Renacimiento y serán la base de la historia de los grandes artistas.
 
Su obra más destacada son los frescos de la capilla de los Scrovegni, datados entre 1304 y 1306. Dedicada la capilla a la Virgen de la Anunciación, los muros laterales y el arco triunfal se cubren con los principales episodios de la vida de María y de Cristo en una serie de más de veinte escenas historiadas superpuestas en tres franjas que son concebidas como verdaderos cuadros con sus marcos.
Frescos Capilla Scrovegni (detalle). Il Giotto. Principios del Siglo XIV Frescos Capilla Scrovegni (detalle). Il Giotto. Principios del Siglo XIV
Siena:
Simone Martini (1283-1344)
El otro gran maestro del Treccento italiano es Simone Martini, uno de los grandes pintores sieneses. Su obra se caracteriza por la utilización de figuras de elegante belleza lineal, gracia y minuciosidad decorativa y abundancia de oros que fueron muy apreciadas en Francia, donde el pintor pasó diez años trabajando en Aviñón. Allí su obra abrió el camino al estilo gótico internacional, que fue adoptado por miniaturistas de códices y pintores franceses y europeos.
Su obra más importante es la Anunciación pintada para la catedral de Siena y actualmente en el Museo de los Uffizi.

Estilo internacional. Finales del siglo XIV

Sedesarrolló fundamentalmente en Borgoña y el norte de italia a finales del siglo XIV y principios del XV cuando artistas italianos y franceses viajan por Europa creando una estética común, que fusiona los dos estilos anteriores, entre la nobleza y la realeza.
Son obras caras y refinadas; de rico y brillante colorido, con abundante uso del oro; predominan las líneas curvas, el movimiento y la estilización en la representación de figuras elegantemente vestidas. Empieza a aperecer un interés por el naturalismo, los paisajes y el gusto por los detalles.
Los primeros artistas de este estilo se encuentran en las cortes de los duques de Berry y de Borgoña. El Duque de Berry contó sobre todo con los servicios de notables miniaturistas como los Hermanos Limbourg, cuya obra maestra es Las muy ricas horas del duque de Berry.
En Italia el máximo representante del gótico internacional será Gentile Fabriano cuya obra más notable es la Adoración de los Magos de la capilla Strozi de Florencia.

Escuela flamenca. Siglo XV

Es la escuela más importante del siglo XV. Se desarrolla fundamentalmente en Brujas y Gante gracias al mecenazgo de una sociedad burguesa enriquecida por el comercio.
Características de la pintura flamenca:
• Realismo,
• Gusto por el detalle,
• Interés por el paisaje, el retrato y las escenas cotidianas,
• Virtuosismo en la técnica del óleo sobre tabla.
 
Los iniciadores del estilo furon los hermanos Van Eyck, Jan y Hubert, autores del políptico del Cordero Místico de la iglesia de San Bavón de Gante.
Políptico del Cordero Místico. Van Eyck. Siglo XV Políptico del Cordero Místico. Van Eyck. Siglo XV
Jan van Eyck (1390-1441)
Fue uno de los más grandes pintores de la pintura gótica flamenca. Perfeccionó la técnica de la pintura al óleo. Interesado por los efectos lumínicos y la observación exquisita y meticulosa de la realidad que le convierten en un gran retratista.
Obras importantes:
Retablo del cordero Místico
Óleo sobre tabla. Catedral de San Bavón. Gante (Bélgica)
El Político, que consta de 20 pinturas, fue Iniciado por su hermano Hubert y acabado por Jan tras la muerte de éste.
Arriba Dios Padre flanqueado por la virgen y san Juan Bautista, ángeles cantores y músicos y Adán y Eva. Debajo, los santos, papas, mártires, peregrinos,… viajan para adorar a Cristo, Cordero de Dios.
Le escena transcurre en un paisaje donde se han representado con todo lujo de detalles la vegetación y al fondo se observa el perfil de una típica ciudad flamenca.
también destacan entre sus obras La Virgen del canciller Rolin del Museo del Louvre y, sobre todo, el Retrato del matrimonio Arnolfini de la National Gallery de Londres. Se trata de un óleo sobre tabla que representa a una rica pareja de comerciantes italianos que vivia en Brujas.  El tema podría ser una ceremonia de matrimonio o de compromiso o de recuerdo de la joven esposa fallecida un año antes de que se pintara el cuadro. Merece especial atención el tratamiento de las distintas calidades y texturas (telas, maderas, metales, perro,..), así como el uso de la luz y la perspectiva para crear profundidad.
 
Roger Van der Weyden
Es el otro de los grandes maestros de la pintura flamenca. Se tienen pocos datos sobre su biografía. Se sabe que trabajó en Bruselas donde creó un taller y se convirtió en el pintor oficial de la ciudad. No existen obras firmadas por él y las que se le atribuyen lo son por cuestiones estilísticas.
Sus pinturas religiosas se caracterizan por el sentido dramático, el realismo y el gusto por los detalles.
Su obra más importante es El DescendimientoÓleo sobre tabla. Museo del Prado. La escena aparece pintada sobre fondo dorado. Van der Weyden renuncia a la profundidad para centrar la atención del espectador en el dolor de la Virgen y de los que ayudan a descolgar el cuerpo de Cristo.
El Descendimiento. Van der Weyden. Siglo XV El Descendimiento. Van der Weyden. Siglo XV
Hernimus Bosch (1450-1516). El Bosco.
Es un pintor muy original cuya pintura, satírica y mordaz, tiene una finalidad moralizante. A través de un lenguaje metafórico pretende criticar los vicios de la sociedad corrompida de su tiempo y prevenir sobre sus consecuencias: el infierno. Su obra, de dibujo preciso y extraordinaria fantasía, influirá mucho en pintores surrealistas posteriores como Dalí.
Entre sus obras destacan El jardín de las delicias o El carro de heno. Ambas en el Museo del Prado, gracias a que el rey Felipe II era gran admirador de su obra y reunió una importante colección de pinturas del artista.